Soy Ron Clements, coguionista y codirector
de La princesa y el sapo.
Y yo soy John Musker, el otro coguionista y codirector
de La princesa y el sapo.
Y yo soy Peter Del Vecho,
productor de La princesa y el sapo.
Estamos aquí para hacer el comentario sobre la película.
Nos llevó tres años y medio
hacer la película, pero sólo nos llevará
una hora y media hacer el comentario.
Eso esperamos.
Enseguida verán la firma de Walt Disney.
De hecho, fue Mike Gabriel quien usó la firma de Walt Disney.
Mike Gabriel, uno de los codirectores artísticos,
debió recrear la firma de Walt Disney
para adaptarla al logotipo nuevo. Gracias, Walt y Mike.
Comenzamos la película con la imagen icónica de Disney
de la estrella fugaz en el cielo, y de repente estas estrellas
no son estrellas sino luciérnagas,
que tienen una relevancia en la película
que el público no advierte a esta altura.
Notarán también que es una película dibujada a mano,
parecido a como se hizo Blancanieves hace 70 años.
Estos personajes fueron animados sobre papel
por nuestro maravilloso equipo de animación,
y los fondos están pintados a mano.
Fue genial volver a la animación a mano.
"'...sólo un beso tuyo puede romper este hechizo terrible..."'
Están oyendo la voz de Oprah Winfrey,
que hace la voz de Eudora, la mamá de Tiana.
Al principio, presentamos la película a mucha gente diferente,
gente que trabajaba en el estudio.
Por "presentamos" nos referimos
a que teníamos guiones gráficos de dibujos individuales,
y en 20 minutos narrábamos la historia de la película.
La presentación más estresante fue
la que le hicimos a Oprah Winfrey en Disneylandia,
donde ella estaba filmando tomas para su programa,
y se la presentamos básicamente para obtener su reacción
ante lo que estábamos haciendo y al argumento.
Por suerte, a ella le gustó mucho la presentación
y le encantó la historia. Fue idea suya
la de ser parte de la película,
y así se convirtió en Eudora.
...que yo nunca, jamás de los jamases...
A estas dos niñas, la pequeña Tiana y la pequeña Charlotte,
las actrices que prestaron sus voces
las encontramos cuando hicimos el casting en Nueva Orleáns.
Elizabeth Dampier, que hace la voz de Tiana,
es de Madison, Mississippi,
y Breanna Brooks es de Luisiana.
Les hicimos el casting allí,
y luego las llevamos a California para grabar sus voces.
Ellas encajan muy bien con los personajes.
La pequeña Elizabeth es una alumna de excelentes calificaciones,
muy concentrada, se sabía todo su diálogo
e hizo todo lo que le pedimos.
Y la pequeña Breanna era igual a Charlotte.
Era una pequeña diva. Se divirtió mucho con el papel,
y era muy similar al personaje.
Incluso jaló fuerte del bigote de Ron.
Él la ayudaba con el diálogo.
Igual que en la película.
En realidad no.
Eudora, ¿crees que podrías hacer algo...?
Y elegimos a John Goodman para el papel de Papi.
Él incluso tiene una casa en Nueva Orleáns.
El Garden District
está lleno de muchas mansiones hermosas,
y ésta que dibujamos es una síntesis
de varios elementos que vimos allí.
¡Yo quiero! ¡Qué lindo!
Ésta es una hermosa melodía de Randy Newman,
que hizo la música y todas las canciones de la película,
y Randy Newman es como el Sr. Americana.
Él es conocido por este tipo de música.
Hizo la música de Ragtime, El mejor y...
Y compuso esta pieza como un quinteto de bronce.
Se distingue del resto de los temas,
y tiene una cualidad de melancolía y viejo mundo,
un estilo del viejo Estados Unidos que nos encantó.
Terrence Howard interpreta a James, el padre de Tiana.
La idea de esta película,
basada en el cuento de Grimm El príncipe sapo,
y Disney lo ha estado explorando,
intentando hacer algo con ese cuento durante años,
desde la época de La bella y la bestia.
La extraña coincidencia es que Pixar, con John Lasseter,
también había explorado hacer versiones de El príncipe sapo,
y la versión de Pixar comenzó en Chicago,
pero rápidamente se mudó a Nueva Orleáns
porque ésa era la ciudad favorita de John Lasseter de todo el mundo.
También era la ciudad preferida de Walt Disney,
por eso está la plaza de Nueva Orleáns en Disneylandia.
Cuando John Lasseter vino a Disney
y lo pusieron a cargo de la animación,
nos pidió a John y a mí que viéramos ese material,
y miramos las versiones de Disney
y las de Pixar,
y luego desarrollamos la nuestra
y se la presentamos a John en marzo de 2006.
La ubicamos en Nueva Orleáns
y la basamos en el cuento de El príncipe sapo, pero era...
La presentamos con una heroína afroamericana.
Estaba ambientada en los años veinte,
y la presentamos como un musical
hecho por Randy Newman,
y creíamos que debía ser dibujada a mano.
Le sugerimos todo eso a John,
así vislumbrábamos la película.
Hice una serie de dibujos de los personajes,
creamos un argumento básico
y le hicimos la presentación de 20 minutos
en marzo de 2006. A él le encantó,
pero dijo: "Deben ir a Nueva Orleáns
"antes de escribir una palabra. " Fuimos.
Ambos fuimos a Nueva Orleáns con Maggie Malone,
la directora de desarrollo, y Dobie Baltazar,
el artista de desarrollo visual, y conocimos la ciudad a fondo.
Paseamos por el Barrio Francés y el Garden District.
Una sacerdotisa vudú nos llevó a los cementerios de Nueva Orleáns,
tuvimos un guía cajún que nos llevó al pantano
y encontramos algunos caimanes.
Y usamos todo el material que vivenciamos.
También fuimos dos días al Jazz Fest
y oímos todos los estilos musicales diferentes
que influenciaron la película.
Y vimos de primera mano
dos de las obsesiones que tiene Nueva Orleáns.
Una es la comida y la otra es la música.
Buscamos incorporar ambas al guión
y a la narración visual.
De hecho, regresamos varias veces
y pudimos pasear en una carroza en Mardi Gras,
hicimos cosas, llevamos a todo el equipo.
Llevamos al jefe de argumento y director artístico, Ian Gooding,
a Rasoul Azadani, nuestra especie de director de fotografía,
y a Jeff Draheim, nuestro editor.
Queríamos que todos sintieran cómo era
estar en esa ciudad.
Queríamos que la película fuera como un reconocimiento
para Nueva Orleáns, y pensamos
en la ciudad como un personaje de la película.
Queríamos celebrar la verdadera magia de Nueva Orleáns.
Nos encantó la idea de situar aquí un cuento de hadas
porque tenía muchas influencias diferentes.
Influencias europeas, francesas, españolas,
haitianas por el Caribe y estadounidenses,
parecía una ciudad donde la magia acechaba en cada esquina,
es creíble que algo así realmente pueda ocurrir.
En ese sentido era una ciudad muy misteriosa.
Yo insistí en poner el número A 113 en uno de los tranvías.
Si se fijan, verán A 113.
Ésa es la sala en CalArts
donde yo estudié animación con John Lasseter.
Yo estuve en la misma clase con John Lasseter y Brad Bird.
John, Brad, Andrew Stanton
y los de Pixar incluyeron A 113 en sus filmes,
y yo pensé: "Rayos, yo lo incluiré en una de mis películas. "
Querían tener una canción de "había una vez"
para que abriera la película
y presentara la ciudad como un personaje,
porque nosotros la pensamos como tal.
La canción Down In New Orleans,
Randy hizo el demo original,
y creo que pensaba
cantarla en la película originalmente.
Nuestra idea era que la cantara Dr. John
en lugar de Randy Newman, en parte porque queríamos
diferenciar la película de una de Pixar,
donde estamos habituados a oír la voz de Randy,
y Dr. John es una presencia icónica de Nueva Orleáns.
Sí, siempre fui fan de Dr. John
y creía que él sería una gran voz de animación,
que alguien debería usar su voz
porque tiene un gruñido genial
que parece hecho para animación.
Poner a Dr. John al principio de la película decía:
"Estamos en este lugar y época específicos",
y como dijo Ron, la diferenciaba de una película de Pixar,
queríamos que tuviera identidad propia.
Sí, no creo que Randy estuviera del todo feliz,
aunque Dr. John es muy amigo suyo.
Fue increíble ver a esos dos sujetos,
pares musicales,
de tanta fama y relevancia.
Sí, estar en Nueva Orleáns, ver a Dr. John y a Randy Newman
trabajando juntos, grabando esta bella canción,
no hay nada mejor.
Las chicas de estas escenas,
el séquito del príncipe Naveen, son caricaturas de mujeres
que trabajan en el equipo del estudio.
Grandes las mansiones
Filmamos acción en vivo como referencia,
como guía para los animadores,
como se hacía en películas pasadas,
en las que Marge Champion o Elaine Stanley se ponían a bailar.
En este caso, la coreógrafa fue Betsy Baytos,
una mujer que conozco hace más de 30 años.
Ambos éramos aprendices en Disney en los años setenta,
y ella era una bailarina excéntrica
que estudiaba danza excéntrica.
Uno de los pedidos de Anika Noni Rose
fue que Tiana fuera zurda.
Anika era zurda y sentía que Tiana también debía serlo,
porque eso la hace un poco diferente.
Yo también soy zurdo, así que me identifico con eso,
así que accedimos, y como ven,
cada vez que ella hace cosas tales como escribir,
es zurda.
Creo que Mark tomó los hoyuelos de Anika,
y nos pareció buena idea que fuera una princesa de Disney inigualable.
¿Sigues con el restaurante?
Bufford, se te queman los huevos.
Ése es Michael Colyar haciendo la voz de Duke.
Hizo una lectura muy graciosa.
Estuvo brillante, rápido y gracioso.
Adam Dykstra fue el animador que le dio vida,
y tiene un gran don para la acción cómica.
En Nueva Orleáns,
donde pasamos mucho tiempo
investigando para la película,
no vimos este restaurante exacto,
pero creo que estuvimos en un desayunador de mala muerte,
por así decir, que se parecía mucho a este restaurante.
Y claro, fuimos al Café Du Monde,
que es un hito de Nueva Orleáns donde comer beignets,
así que hubo que incluir beignets en la película.
Un producto básico de allí.
Son unas confituras con azúcar glasé.
Si no han comido una beignet,
vayan a Nueva Orleáns a comer una.
EL PRÍNCIPE LLEGA HOY
Irrumpiendo por la puerta estaba Charlotte,
interpretada por Jen Cody, una actriz descollante.
Trabajó en teatro en Nueva York.
Nos enamoramos de su voz. Tiene una gran voz.
Es una combinación entre Jean Arthur,
Betty Boop y Mae Questel.
Está entre ellas,
y la alentamos a que exagerara su papel,
y ella lo hizo al máximo.
Lo mismo hizo Nik Ranieri con la animación.
Nik ha hecho personajes como...
Para nosotros, hizo Hades en Hércules,
ha hecho personajes femeninos muy graciosos.
Nunca hizo un personaje femenino como éste,
así que Nik tuvo que hurgar profundo para hallar su diva interior.
Nik tiene cuatro o cinco hijas, creo,
y una esposa adorable, está rodeado de mujeres,
y creo que canalizó algunas de ellas para este papel.
Con esto alcanza perfectamente, Lottie.
¡Ya está! ¡Voy a comprar mi restaurante!
¡Esta noche por fin viene mi príncipe!
¡Y no voy a dejar que se me vaya!
La idea de que la sombra de Facilier fuera independiente
-surgió al principio... -Y, de hecho,
fue de Sue Nichols, de desarrollo visual.
Lo llamamos el Tenebroso,
ella lo tomó así y dijo:
"¿Por qué no darle una sombra que se mueva sola,
"exprese sus pensamientos e incluso baile con él?"
Ella hizo unos dibujos mientras escribíamos el guión,
y dijimos: "Sí, debemos incluir eso.
"Es un gran toque visual. "
Y así funciona la animación.
Los artistas visuales tienen ideas que podemos incluir.
De la misma manera, incluso la idea de su Quingombó
surgió en parte de John Lasseter
como una forma de darle calidez a la escena,
hacer que el Quingombó fuera un recuerdo y evocación
del padre de Tiana, y ablandó a Eudora,
el hecho de que lo llevara como un gesto de bienvenida.
Tiana tiene un sueño loco
de convertir la azucarera decadente en un restaurante.
Es una forma de mostrar apoyo
sin dejar de ser cautelosa porque es una gran tarea para ella.
Fue emocionante y un desafío
volver a trabajar en una película de princesas.
Teníamos algo de experiencia con princesas,
con Ariel en La sirenita y con Jasmine en Aladdin,
pero cuando se trata de un cuento de hadas de Disney,
eres más conciente del legado de Disney.
Nos resultó divertido crear una princesa
que rompiera el molde,
no sólo por ser afroamericana,
sino porque tenía un sueño que no era encontrar un príncipe,
que involucraba comprar un restaurante,
y fue la primera princesa en tener un empleo
y una carrera, y eso la convierte en una princesa moderna
diferente a las demás,
y fue divertido de escribir y de darle vida para Anika.
Ella le aportó mucha convicción al papel
en términos de energía y dedicación,
y además cierta vulnerabilidad y suavidad
que está oculta debajo.
Ella captó ambas cualidades en lo que hizo.
Ahora hay una transición a una canción,
Almost There, de Randy Newman.
Este panfleto está basado en una ilustración de Aaron Douglas,
un artista del Renacimiento
de Harlem que nos mostró Sue Nichols,
y nos dio la oportunidad de mostrar la visualización del restaurante
al estilo del panfleto de Aaron Douglas.
Verán que cuando la canción sube, pasamos a un universo de fantasía.
Esta canción fue supervisada por Eric Goldberg,
un animador que hizo el Genio en Aladdin,
dirigió Pocahontas,
y trabajó con los animadores
en esta especie de animación limitada estilizada,
para que cobre vida.
Fue maravilloso que Anika fuera una gran cantante y actriz,
así que ella cantó y habló por Tiana
y le aportó mucha calidez y simpatía.
Eso es cierto de todas las canciones de la película,
los actores de voz también cantaron,
cosa que no siempre sucede.
Éste es uno de los números que coreografiamos
con Betsy Baytos, nuestra coreógrafa.
Filmamos referencias, y Eric Daniels ayudó en esta secuencia
para tratar de realizarla con esta técnica
y que realmente se pareciera a las ilustraciones.
Esta secuencia se hizo de forma totalmente distinta.
Fue una de las últimas cosas que se animaron en la película,
y debimos hacerla bastante rápido para terminar la película a tiempo,
pero hicieron un gran trabajo.
Para los amantes de la animación, esta secuencia
no la limpiaron animadores de limpieza.
Los animadores que animaron esta secuencia
trabajaron con poco tiempo, pasó directo de la animación al color.
Sí, verán que no hay líneas alrededor de los personajes.
Hay todo tipo de formas.
Eso se debe al estilo de dibujo de Aaron Douglas,
y esos ojos sesgados provienen del estilo de Aaron
de interpretar personajes en sus ilustraciones.
Lo mismo que los círculos dentro de círculos y los rayos de luz.
Son todos elementos que marcan el estilo de Aaron Douglas.
Siempre pienso en esta última toma como nuestro That's Entertainment!,
el primer plano de Gene Kelly.
Rodamos hacia atrás, y lo genial es que con las computadoras
podemos hacer un retroceso suave. A diferencia de los filmes de MGM,
en donde se sacuden al ir hacia atrás,
aquí tenemos una toma de retroceso fluida.
Ahora estamos en el Barrio Francés,
un lugar emblemático de Nueva Orleáns,
la Vieux Carré, como la llaman, o la vieja parte de la ciudad,
y tiene un hierro forjado fantástico.
Si han estado allí, es una parte muy característica
de la arquitectura del lugar.
Queríamos plasmar las calles y la música.
Volvimos a Nueva Orleáns la semana pasada
para la inauguración de un museo, y vimos músicos tocando en la calle,
nada distinto a estos cantos y bailes, incluso hoy.
Esta música callejera es tradicional de Nueva Orleáns,
la música está en todas partes,
es parte de su patrimonio.
El criado del príncipe, Lawrence,
tiene la voz del actor neoyorquino Peter Bartlett,
un gran cómico que le aportó mucho al papel de Lawrence.
Y Lawrence fue animado,
su animador supervisor fue Tony DeRosa,
y el estilo de Lawrence es muy,
me atrevería a decir, parecido al de John Lounsbery.
Él fue uno de los Nine Old Men,
un veterano que hizo a Tony y Joe en La dama y el vagabundo,
los dos taberneros italianos.
Son dibujos animados hechos con mucha solidez.
En él también hay algo del Sr. Smee,
que animó Ollie Johnston.
Y el gran animador Eric Goldberg tiene aquí su caricatura
recogiendo la caca.
Creo que Eric puede estar orgulloso de que lo pusiéramos en la película,
-recogiendo la caca. -Sí.
Esta escena también ayudó a configurar al príncipe.
Es adorable y gracioso, y su personalidad se deja ver
bien al principio de la película.
Los príncipes tienen los trabajos más ingratos
de las películas animadas.
Es un desafío hacer un príncipe masculino dominante,
por lo general es: "¡Que entre el príncipe!"
En algunos casos, han sido utilería para que las princesas dialoguen.
En esta película, no queríamos que fuera así,
y Randy tuvo que idear un príncipe apuesto,
encantador y a la vez gracioso.
A Bruce Smith, que hizo al Dr. Facilier, lo agasajamos
para que regresara a Disney a hacer este papel.
Es uno de los mejores bocetistas y un animador maravilloso,
y le aportó una verdadera furtividad,
frescura y energía.
Cuando miran estos dibujos de Facilier,
dicen: "Qué villano malvado. "
Malvado en el buen sentido.
Eso se lo debe a Keith David, que hizo la voz,
pero luego Bruce Smith le añadió frescura a la animación.
Tiene un rango de expresiones
que ningún otro villano tiene, y partes de actuación específica
y elecciones de actuación que hizo
que le dan vida.
Enseguida pensamos en Keith para este personaje por su voz.
Parecía que sería el indicado.
Lo que no sabíamos era si cantaba bien,
y resultó ser un cantante fantástico.
Eso es animación de efectos, cuando se enciende esa llama,
y se hizo bajo la supervisión de Marlon West y su equipo.
Y esas hojas pequeñas, las sombras,
la apertura de la puerta, tuvimos un gran equipo de efectos
que le dio vida y le aportó atmósfera al pantano.
Y mientras hablamos de esto,
Rasoul Azadani, nuestro jefe de esquema,
fue el responsable de la puesta en escena.
En una película animada, el jefe de esquema
es como el director de fotografía,
y él le aportó mucho a toda la película,
pero particularmente en una canción como ésta, tan espectacular.
Hicimos algo nuevo en esta película
con nuestro departamento de esquema.
Hicimos un esquema con animatics,
donde unimos las escenas sin animación,
pero con toda la puesta en escena y la iluminación
para poder mirar la película
antes de animarla.
Esta secuencia fue uno de los primeros esquemas
de animatics que se hicieron de la película, y enseguida
nos convenció de que, aunque era una innovación
sugerida por John Lasseter
porque así lo hacen en Pixar,
era un gran valor en términos de escenificar la película.
Yo quería darle un reconocimiento a Paul Briggs,
el artista de guión gráfico.
Todas estas secuencias son el producto terminado,
pero comienzan como guiones gráficos,
como paneles de libros de cómic,
y Paul Briggs graficó esta canción
y creó la idea de todo este juego de cartas.
Randy lo escribió en la canción,
pero Paul le dio vida con muchas ideas interesantes,
como el modo de mezclar y mostrar las cartas.
Luego Bruce Smith hizo aún más.
Buscó en YouTube y encontró unos videos fabulosos
de magos prestidigitadores,
algunos famosos, otros no tanto, que hacían cosas increíbles,
y luego Bruce hizo cosas que creo
ningún mago puede hacer,
pero así es la maravilla de la animación,
lo imposible se vuelve posible,
y eso es lo que él hizo con esta animación.
Y Sue Nichols, de quien ya hablamos,
diseñó las imágenes de estas cartas de tarot,
y éstos son sus dibujos y colores.
Se usaron en la película exactamente como ella los diseñó.
Bajo presión siempre estás
T. Dan Hofstedt hizo esta animación graciosa en las cartas
cuando las mezclamos. Era una idea divertida,
y la letra de Randy Newman sobre tu madre,
tu hermano y todo eso, y Paul halló el modo de visualizarlo.
La idea de las cartas fue de Paul Briggs.
Éstas no se basan en cartas reales de tarot,
pero son la interpretación de Sue sobre cómo funciona el tarot.
No seguimos exactamente el...
La canción cambia cuando empieza el hechizo.
Siempre vimos esto como psicodélico,
pues el cuarto se llena de humo
y las cosas se enloquecen.
Como en Pink Elephants on Parade en Dumbo.
Es una pieza mágica.
El artista de efectos, Noe Garcia, hizo estos símbolos voladores,
y a Doug Walker, el encargado de esquemas e ideas,
se le ocurrieron algunas imágenes,
incluso la escena de Facilier
con colores vudú. Eso lo tomamos prestado
del desarrollo de arte visual que hizo Doug en la película.
Queríamos explotar la calidad visual de esto,
que era un espectáculo vudú.
Esto es una especie de parodia
de los pingüinos y Dick Van Dyke en Mary Poppins.
Es como él y sus pingüinos malditos,
ahora son muñecos vudú.
Queríamos un gran valor de producción en esta película,
como Fantasia y otras similares
con importantes efectos,
queríamos estar a la altura de ellas.
En el paneo al entrar en el salón de baile,
hay gente que conocemos bailando en el fondo.
Verán una caricatura de Peter Del Vecho,
-el productor y su esposa, Jane. -Ése soy yo.
Y el sujeto con cabeza de pulpo
es una caricatura de Joe Grant,
que hicimos durante la producción.
Y Stella, así llamamos a la perra.
Aunque es una perra de caza,
tiene características de mis tres perros basset,
ésos son los perros que me gustan.
Ella babea como Slugo,
sube a la mesa a buscar comida igual que Jimmy,
y está gordita como nuestra basset Molly.
Hay muchas chicas muriéndose por bailar contigo.
Fue divertido escribir para Charlotte
porque ella era muy exagerada,
y buscábamos canalizar nuestro Tennessee Williams interior,
sureño, diva a lo Blanche DuBois,
y luego Jen Cody la llevó aún más lejos,
y Nik, más aún en la animación,
y a Kevin Gollaher, que lo graficó,
se le ocurrieron algunas de estas cosas,
como las ideas con el rímel de Tammy Faye
y la exageración que muestra
cuando al fin ve al príncipe,
arroja brillos al aire, todas ideas de Kevin.
Hizo un gran trabajo graficando toda esta pieza.
Verán que Charlotte, incluso de adulta, se viste de rosado.
Queríamos que estuviera tan obsesionada con ser princesa
que su cuarto y todos sus vestidos fueran rosados.
Es su color característico en toda la película,
en contraste con Tiana,
incluso cuando se viste de princesa más adelante.
Por eso la vestimos de azul, en contraste con Charlotte.
Sí, pensamos en Charlotte como alguien que no ha cambiado mucho
desde los cuatro años de edad.
No ha crecido mucho, en contraste con Tiana,
que quizá haya crecido un poco más de lo que debería.
Perdió un poco de esa magia de la infancia,
y parte de la película es ver que la recupere.
Cuando hacíamos la música provisoria,
que ponemos en la película antes de estar toda animada,
a veces, sólo para darle sabor,
nuestra canción provisoria aquí era el bello vals de Randy de Ragtime,
y eso es lo que veíamos, un vals de ese estilo,
y luego Randy escribió un nuevo vals para que bailaran aquí.
Nos encanta el nuevo vals que compuso para este momento.
Algunos creen que soy uno de los hermanos Fenner,
y me desagrada porque creo que, a medida que envejezco,
me veo más así. Tengo el cabello más canoso,
pero mi barbilla se está pareciendo a ésa,
lamentablemente. No sé qué pasó.
-Estoy decepcionado. -Si, los hermanos Fenner
comenzaron a verse parecidos a nosotros dos...
En principio se parecían a Rock Hudson y Tony Curtis,
y no sé qué pasó. Algo cambió, no sé.
Sí, la gente intentaba adivinar y decía...
Mi esposa pensó: "¿Ésos son tú y John Lasseter?"
Y dije: "¡Ése no es John Lasseter!"
Aquí hubo una pequeña argucia argumental.
Necesitábamos vestir a Tiana para que pareciera una princesa,
para que más tarde en esta escena, cuando Naveen aparece como sapo,
supongo que ya vieron la película,
ella tenga aspecto de princesa.
Debimos hallar el modo de quitarle este vestido
y ponerle uno de princesa. Así que lo ensuciamos.
Fue más difícil de lo que creen.
Luchamos un tiempo para ver cómo ponerle
ese vestido de princesa, pero esto pareció tener éxito.
Danny Galieote, uno de los animadores
que trabajó en Charlotte, hizo la escena
en la que se contonea por detrás. Una gran escena.
Nik hizo ésta, y la primera vez que la hizo,
Ali Norman señaló que ella estaba aplicándose
mal el rímel, que ninguna mujer lo hace así.
Así que retrocedió y...
Era viernes, y él debió cambiarlo
para que se aplicara el rímel correctamente,
como lo hacen todas las mujeres del país y del mundo.
Nik no había investigado eso.
Hubo varias animadoras en esta película,
cosa que no debería sorprender,
pero en el pasado no ha habido tantas.
Ha habido algunas, pero...
Sí, las mujeres, por la razón que sea,
suelen trabajar en otras áreas,
como pintoras de fondos
o artistas de esquema o de limpieza,
pero hay relativamente pocas animadoras.
EL MESÓN DE TIANA
Esta repetición no estaba,
pero cuando tuvimos la canción Almost There, creímos que
sería una gran canción para repetir de forma melancólica,
y este momento parecía ideal.
Sólo requirió unas pocas palabras,
pero hablamos con Randy sobre repetirla
para decir algo diferente.
Creo que ayuda a la estructura de la comedia musical
tener repeticiones en que replanteas la misma canción
en otro tono o estado de ánimo,
y éste parecía un momento ideal.
Verán los gestos que hace Tiana cuando está triste,
cuando se frota los brazos,
y lo repite cuando es rana,
los mismos gestos,
y Mark Henn tuvo mucho cuidado al animar a Tiana
para buscar gestos que funcionaran como humana y como rana.
Presten atención cuando se decepciona como rana,
verán el mismo movimiento.
Fue una suerte cómo resultó
animada esta película
en el sentido de que la apertura en Nueva Orleáns
fue de lo primero que animamos,
y había bastante animación de Tiana
y Naveen antes de convertirse en ranas.
¿Esta secuencia no fue lo primero
que animó Mark Henn? ¿Recuerdo bien?
-Sí. -Fue lo primero de la producción.
Randy Cartwright lo graficó, gran trabajo,
y luego Mark, estas escenas,
la que ella arroja cosas fue de las primeras que hizo él
con Randy Haycock sobre el sapo Naveen aquí.
Solemos elegir una secuencia piloto para establecer los personajes,
y ésta fue la que realmente estableció
al sapo y a la princesa,
o al príncipe, al menos, como sapo, así que ayudó a crear una plantilla
para los demás animadores que trabajaron en el personaje.
Randy Haycock hizo una escena de animación experimental
en que tomó una pista de voz
muy sensual de Don Juan DeMarco,
de un actor diciendo algo como:
"Me gusta dar placer a las mujeres", o algo así.
Y él lo hizo como humano,
uno muy apuesto, y se veía genial.
Su desafío fue llevar esa escena
y hacerla como sapo, entonces tomó el mismo tipo apuesto
y buscó captar esos manerismos
con cara, patas y brazos verdes.
El príncipe es de Maldonia. Inventamos ese país.
Queríamos que fuera de un lugar exótico,
pero de ninguno que fuera identificable con uno verdadero,
queda al este del sol y al oeste de la luna.
No hay mucho idioma de Maldonia en la película,
pero hay algunas palabras.
Está achidanza, que significa algo supergenial.
Y aminaza, que significa adiós y...
Y claro, faldy faldonsa...
La famosa faldy faldonsa que significa...
No podemos decirlo, es una mala palabra.
Aquí, Bruno Campos, que interpreta al sapo Naveen,
logró muy bien su estilo cómico y los tiempos.
-Sí. -Aquí, como de pasada,
dice: "Soy un príncipe apuesto, ¿sí?"
Además de ser increíblemente guapo...
Y agrega ese "sí"
que Russ Edmonds, al animarlo,
hizo algo divertido
que quedó muy específico y gracioso.
Nos resultó difícil encontrar la voz del príncipe,
y fue una de las últimas voces que elegimos,
ya lo hemos contado,
pero teníamos tres finalistas para la voz de Naveen,
y no podíamos decidirnos por ninguna.
Entonces John Lasseter sugirió tocar las tres voces
para un grupo de damas que trabajaban en la película,
porque era importante que la voz tuviera un atractivo romántico,
y eso hicimos.
Pasamos las tres voces sin decir quién era quién.
Bruno ganó sobradamente.
Bruno fue la tercera voz que pasamos,
y todas las mujeres se desvanecieron en cuanto oyeron su voz.
El medidor de desvanecimiento estaba al máximo.
Randy también habló de que cuando estudiaba, tenía
un compañero de cuarto que recibía mucha atención femenina.
Una especie de mujeriego.
Randy notó que él siempre se recostaba sobre algo
cada vez que hablaba con las mujeres,
así que hizo que el príncipe Naveen se inclinara cuando...
Naveen se inclina como humano y como sapo.
-¡No! ¡Eso no son babas! - ¿Qué?
Estás secretando mucosidad.
Esto se remonta a la primera versión del guión
sobre la secreción de mucosidad.
Llegó a la versión final. Otras no,
pero eso estaba en el guión original.
Reestructuramos toda esta parte en cierto momento,
pues antes esta persecución se hacía cuando terminaba el baile,
y recorrían la casa
por la noche, cuando todos dormían.
El departamento argumental estaba convencido
de que debía hacerse mientras el baile seguía en marcha.
Sería más divertido destruir el baile
en desarrollo.
¡Stella!
¡Agarra a esas ranas!
-¡Corre! -¡No puedo, soy una rana!
¡Entonces salta!
Reacomodamos la historia
para que la gente siguiera presente,
así conseguimos colapsar el tiempo
e hicimos que la película funcionara mejor y fuera más rápida.
Ese disfraz de sirena
es de La sirenita, que nosotros dirigimos.
Usamos el esquema de color. Lo tomamos prestado.
Tom Ellery, un artista de guiones gráficos,
graficó la versión original de esto
y también hizo cosas en esta versión.
Hice muchas cosas caricaturescas en la película.
También tenemos otra aparición breve aquí.
Sí, ésos somos Ron y yo.
Cuando los hermanos Fenner terminan cubiertos de pastel,
Jean-Christophe Poulain, el diseñador, dijo:
"Hagamos una caricatura de ustedes.
"Sería muy gracioso. "
Y es gracioso, pero creo que se ve
muy parecido a John. No se parece a mí.
No pudieron capturarme en el pastel.
Sí, es difícil copiar esa cara.
Esto fue un desafío.
Bill Waldman hizo la animación del príncipe.
Pero, obviamente, no es el príncipe.
Es Lawrence disfrazado.
Se ve como el príncipe, pero se mueve como Lawrence,
y fue una actuación divertida que debieron resolver Tony y él.
Ésta es una escena divertida
de Tony DeRosa con la transformación.
Es divertido para los animadores,
tanto como para un actor de acción en vivo,
cuando pueden interpretar el mismo papel
en distintos cuerpos y formas,
y eso demuestra las habilidades del animador como actor
en cuanto a que mantiene la personalidad de ese personaje,
aunque su apariencia sea totalmente distinta.
El animador Jamie Lopez trabajó con Bruce Smith para crear a Facilier.
Hizo escenas graciosas como ésta,
donde sólo gesticulaba, saltaba con la historia vudú
y hacía esa pausa.
Eso fue idea de Jamie Lopez y su animación,
una escena graciosa y estrafalaria, una de sus mejores.
Y Lawrence como príncipe es interpretado por Peter Bartlett,
otro actor de teatro neoyorquino.
Trabajaste con Peter en el Guthrie.
Sí. Hace unos 15 años o más, en Cándida.
La calavera y los huesos del sombrero
los agregó Eric Daniels en plena producción.
No los dibujó Bruce Smith,
y como fue a último momento, a veces olvidábamos ponerlos,
así que algunas escenas estaban en color,
y decíamos: "¡Olvidamos la calavera!"
Y debíamos agregarla.
A veces olvidábamos incluirlo, y pasaba mucho tiempo
hasta que alguien se daba cuenta de que faltaba.
Toda esta lluvia la hizo
el equipo de efectos de Marlon West, que hizo un gran trabajo.
Hay varias capas. Algunas detrás de los personajes
o delante, otras se desprenden de ellos.
Es un gran trabajo. Hay relámpagos en el fondo.
Es una hazaña de efectos,
y al mover los brazos, se ven las gotas que caen.
Todo eso se hizo con animación a mano y...
Los efectos de esta película
se hicieron en el Cintiq, un tablero sensible a la presión.
Luego de escanearse los dibujos del animador
en papel,
los animadores de efectos trabajan en este tablero
y lo dibujan a mano, pero se registra directo en la computadora.
Fue algo nuevo en esta película.
Esta película tiene persecuciones,
personas que persiguen a nuestros héroes,
y necesitaban pistas para encontrar el camino,
así que verán restos del globo
en la superficie del agua.
Aparecerán más tarde,
porque queríamos una indicación que dijera: "Se fueron por ahí. "
Necesitábamos algo visual,
así que era un marcador muy simple que ayudaba a crear tensión
en medio de la película.
Ésta es la broma de la sanguijuela que escribió Rob Edwards,
y luego animó Russ Edmonds, creo.
No fue mentira. Tengo toda la inten...
¡Corre!
Paul Briggs hizo el guión gráfico
de esta gran secuencia de acción que da algo de trasfondo.
Siempre intentas esconder el trasfondo,
que es información sobre la trama,
para que sea interesante, pero entendible.
Así que intentábamos matar dos pájaros,
o dos ranas, de un tiro.
Ian Gooding, artista de fondo, hizo un gran trabajo
al crear distintos ambientes en el pantano.
Ambientes peligrosos aquí, y al avanzar,
-entornos románticos. -Sí,
queríamos que el pantano fuera menos amigable
y te dieran ganas de huir de ahí.
Esto es lo que llamaríamos el pantano deprimente y frío.
Al avanzar, veremos otros pantanos,
pero queríamos empezar con el pantano más frío y deprimente.
Esta estela que dejan los caimanes al moverse en el agua
la vimos en Nueva Orleáns.
En el primer viaje de investigación, fuimos en barco al pantano,
y el guía cajún, Reggie, hizo que los caimanes
se acercaran al barco mostrándoles malvaviscos,
y vimos la estela en el agua, y se veía exactamente así.
-Siniestra, directo hacia ti. -La copiamos tal cual.
Lo que se ve en la película es lo que vimos,
y es un poco aterrador.
Notarán que el caimán que va a aparecer
tiene una voz muy particular, si prestan atención.
Vas a saber delicioso...
Es Emeril Lagasse, el famoso restaurador de Nueva Orleáns,
nacido en Providence, Rhode Island,
pero debimos incluir
ese ruido característico. Ése es Emeril interpretando al caimán.
El caimán se llama Marlon, pero la voz es de Emeril.
Tuvimos el placer de comer
en un par de sus restaurantes en Nueva Orleáns.
-De los mejores platos que comí. -Deliciosos.
No entrábamos por el agujero de ese árbol después de comer.
Era increíble.
Cuando el diseñador de sonido, Odin Benitez, fue a Nueva Orleáns,
también fue al pantano
a grabar los sonidos reales de ahí,
así que en estas escenas en el pantano,
lo que oyen de fondo
son los sonidos auténticos
que oirían en un pantano de Luisiana.
Usen su sistema de sonido envolvente,
así podrán oír los sonidos de fondo
y apreciar cada pequeña rana...
Voy a tocar más fuerte.
Algo divertido de esta película fue que...
Como tantos cuentos, muchos que hemos hecho antes,
como La sirenita y Aladdin, tratan sobre el amor a primera vista,
ves a esa persona e inmediatamente sabes
que es el amor de tu vida.
Aquí no hay amor a primera vista.
Los protagonistas no se gustan
cuando se ven por primera vez,
pero como ranas, se vuelven más sensibles
a las cualidades de cada uno.
El caimán, Louis, fue animado por el gran Eric Goldberg.
El pantano es la mejor escuela de jazz.
En versiones iniciales de la historia, Louis era un ser humano
que quería tocar música, pero no podía hacerlo,
así que hacía un trato con el Dr. Facilier
y adquiría la habilidad de tocar la trompeta,
pero lo convertían en caimán en el proceso,
y cuando lo encontraban aquí, estaba deambulando
y tratando de volver a ser humano.
Esto se mantuvo así un tiempo,
pero se volvió denso.
La historia era muy larga. Era muy complicada.
Nos gustaba que el caimán tocara jazz,
pero dijimos: "¿Qué tal si no es humano,
"sino un caimán que adora el jazz?"
Así que simplificamos la historia.
Este personaje cobró vida no sólo gracias a la animación de Eric,
sino también a Michael-Leon Wooley. Cuando lo elegimos,
le aportó mucho humor al personaje.
-Sí. Es un gran actor. - Y Louis evolucionó un poco.
Es similar a como era en un principio,
pero era más fóbico y nervioso,
y se volvió más al estilo de Michael-Leon Wooley
a medida que avanzamos.
Michael se parece al caimán.
Cuando sonríe, tiene una enorme sonrisa,
mide 1, 98 ó 1, 95 m y es un tipo poderoso y demás...
Pero es adorable.
Pero es adorable, así que es muy parecido a Michael.
Eric trabajó con un gran equipo de animadores,
Bert Klein y Hyun Min.
Hyun Min Lee es un animador recién graduado de CalArts,
hizo una animación maravillosa,
y Bert Klein hizo algunas de las cosas más graciosas de Louis.
Esta parte en que se desploma contra el árbol y varias cosas,
cuando saltó al barco, miró alrededor y dijo:
"¿Les gustó eso?"
Bert Klein hizo esa animación.
Una animación muy divertida.
Al principio de la producción,
estas secuencias estaban invertidas.
Inicialmente, Tiana conocía a Ray antes de conocer a Louis,
y nos costaba mucho hacer que Louis no pareciera un desvío.
Así que John Lasseter
propuso invertir el orden.
Que conociera a Louis, y luego a Ray.
Ya habíamos empezado a animar la secuencia con Ray,
así que debimos agregar a Louis en el medio,
porque ahora aparecía antes en la película.
La toma de Louis nadando de espaldas en el agua
la graficó Tom Ellery, inicialmente, Bruce Morris.
No sé si tenían eso en mente,
yo no lo pensé cuando lo estaban haciendo,
pero tiene sus analogías a El libro de la selva
con Baloo y Mowgli mientras viajan por el río
y el vínculo que nace entre ellos.
Éstos son algunos de mis fondos favoritos.
-Son preciosos. -Sí. Esa toma
fue obra de Ian Gooding, esos colores brillantes.
No hay muchas escenas con luz de día en el pantano,
pero queríamos aprovechar ésta,
así que tiene una ambientación muy rica.
Dejamos el pantano deprimente y frío
y pasamos al pantano luminoso, cálido y acogedor.
Obviamente, El libro de la selva tenía el gran jazz de Dixieland
y las canciones de los hermanos Sherman,
y esto es un homenaje indirecto a eso.
Éste fue nuestro gran número de swing de Dixieland
con fondo de trompetas.
Estaba diseñado para ser un número musical rápido
que contrastara las filosofías de los tres personajes.
Está el aspecto de mujeriego del príncipe,
el aspecto de mujer que sólo piensa en trabajar de Tiana,
y luego está Louis,
que sólo quiere tocar música frente al público.
Queríamos que estos aspectos se cruzaran entre sí.
En cuanto a la versión original de esta canción de Randy Newman,
la tortuga tenía algunas frases.
Cantaba algunas partes de la canción,
y Randy Newman hacía la voz de la tortuga.
La tortuga era una escéptica sardónica, como Randy,
y no paraba de decir:
"¿Estás seguro de eso?"
cuando hablaban sobre lo genial que sería,
pero hacía la canción muy lenta.
Creo que John Lasseter dijo: "No creo que deba haber
"un contrapunto. Debe ser rápida. "
Le daba un tono equivocado.
Quitamos esas partes,
-pero quedó la tortuga. -Quisimos poner a Randy
dos o tres veces en la película y...
Fracasamos un par de veces.
-Pero está en la película. -Sí,
Ies avisaremos cuando aparezca.
Iba a ser una nutria en un momento,
y grabamos un poco de Randy Newman como nutria,
pero ese personaje no quedó.
Enloquecimos a Randy, pues creyó que lo quitábamos
por su actuación,
pero era porque la historia cambiaba,
aunque su actuación... ¿Cómo la describirías?
-Prácticamente era Randy. -Sí, era Randy.
El montaje divertido de Eric Goldberg, cuando se va el caimán.
Éste es un gran diseño del equipo de Rasoul Azadani.
Es una toma multiplano. Se ven las capas superpuestas
de árboles y vegetación moviéndose a distinta velocidad.
Aunque es animación a mano, logra profundidad,
y es una técnica que evoca a El viejo molino,
Blancanieves y Pinocho.
Sandro Cleuzo logró una gran animación aquí.
Sandro es un animador de Brasil,
pero se mudó aquí para esta película. Es un gran dibujante y actor.
Hizo muchas de estas escenas,
al igual que Tony DeRosa, que hizo cosas muy divertidas.
Y Danny Galieote animó a Charlotte en la mayor parte de esta secuencia,
Iogró excelentes expresiones y una gran sincronización en ella,
al igual que las voces.
Sólo era una pieza cómica.
La idea de que el poder del talismán se agotaba, por así decirlo,
y la transformación de Lawrence surgió de...
En la primera proyección de la película,
la llevamos a Pixar y se la mostramos a algunos artistas
y directores que hacen películas de Pixar,
y ésta fue una idea que surgió de ese grupo de asesores.
Nik se divirtió diseñando estos vestidos para Charlotte,
y Lorelay Bove, una gran diseñadora,
e Ian Gooding estaban involucrados en el vestuario de los personajes.
Esta película tiene más cambios de vestuario
que cualquier otra que hayamos hecho.
No sé por qué, pero es así. Déjenme señalar algo.
Como aparece Facilier, desaparecen las burbujas de la champaña,
así que el equipo de Marlon quitó las burbujas.
Nuestro villano puede matar una copa de champaña como ningún otro...
¿Y ahora qué hacemos?
Marlon West era nuestro jefe de efectos especiales,
es un gran animador y jefe de departamento.
Dos películas de Disney que fueron de gran influencia
y que miramos mucho fueron La dama y el vagabundo y Bambi.
La dama y el vagabundo, en especial, para las escenas
que se desarrollaban en la ciudad de Nueva Orleáns,
con toda su arquitectura,
y Bambi, por las escenas del pantano,
los fondos hermosos
y la forma en que, a través de la iluminación y el color,
sugerían mucho más de lo que se veía.
Muchos fondos de Bambi son, de algún modo, impresionistas
y eso fue lo que intentamos hacer aquí.
Ruben Aquino hizo parte de esta animación de las ranas,
cuando se quedan aquí, y él va en busca de comida.
Es una animación muy graciosa.
Y me encanta la frase que escribió Rob Edwards aquí.
De ninguna manera voy a besar a un sapo
y a comer un insecto en el mismo día.
Eso fue idea de Rob, y le da a una heroína una frase graciosa,
y muchas heroínas no tienen frases graciosas.
Fue genial poder hacer comedia
con los personajes que no dependen del humor.
Y la idea de que la lengua, involuntariamente, se...
Sí. Era una forma de acomodar las cosas.
Pensamos que buscarían comida,
pero que fuera una acción involuntaria
era una forma de unirlos literalmente.
La mayor parte de esta secuencia la graficó Wilbert...
El holandés loco Wilbert Plijnaar,
y la imagen de ellos enredados en un nudo fue idea de Wilbert.
La luz que irradia Ray
y que él escriba su nombre en el cielo
fueron ideas que aportó Wilbert con sus guiones gráficos.
Wilbert le dio vida a esta secuencia. Hizo escenas claves con Ray
durante la película, que fueron inspiradoras
para los dos y para los animadores.
Y ahora presentamos a Ray, nuestra luciérnaga,
un personaje clave de la película, con gran animación de Mike Surrey,
quien hizo a Timón en El rey león, entre otros,
y con la voz de Jim Cummings.
Jim Cummings pasó varios años en Nueva Orleáns.
Trabajó allí con gente cajún,
así que adquirió su acento.
¡No soy un cohete!
Sólo enciendo mi enorme trasero. Así es.
¡A las mujeres les gustan las posaderas enormes!
Queríamos que el acento fuera auténtico y...
Y oímos este acento cuando estuvimos en el Jazz Fest.
Oímos el jazz, la gente cajún con sus expresiones típicas.
Vimos un documental llamado Yeah You Rite!,
que habla sobre los dialectos de Nueva Orleáns,
y encontramos en Internet
diccionarios y jerga cajún,
así que escribimos el guión con muchas expresiones
y frases usadas por los cajún
para aprovechar el hecho de que era parte de esta cultura.
Admiramos a los cajún.
Son gente excepcional con un patrimonio muy rico.
Y Ray era un personaje importante en la película.
Y que fuera cajún lo afianzaba más en Luisiana.
El guión ya era genial,
pero Jim Cummings le agregó mucho sabor,
sincronización cómica e improvisaciones.
Improvisaba como el personaje, era genial.
"Las mujeres adoran
"las posaderas enormes"
fue idea de Jim Cummings.
...que un médico brujo lo volviera sapo.
¡Pues ya ves!
Vamos a ver a Mamá Odie.
La canción que cantaba Ray
cuando estaba entre las dos ranas tratando de desenredarlas
fue parte de la audición de Jim Cummings.
Es un tema de Leon Russell escrito en los años setenta, Cajun Love Song,
y él lo cantó en su audición.
A Jeff Draheim, nuestro editor, le gustó
y lo editó como una canción divertida para oír de fondo.
Y debimos comprar los derechos
porque nos gustaba tanto que quisimos incluirla.
Le agradecemos a Leon Russell por esa canción.
Mis parientes y yo les vamos a enseñar por dónde ir.
-Oye, ¿quién es ése sentado ahí? -Randy Newman.
Ésa es mi caricatura de Randy Newman.
Randy cree que lo hice más gordo de lo que es,
pero sólo intentaba asemejarme a él.
Es difícil. Randy usa anteojos,
y no puedes ponerle anteojos a una luciérnaga.
Te vamos a llevar Te vamos a llevar
Brian Ferguson hizo esta escena de Ray alejándose de la cámara
y bailando. Mike Surrey hizo una animación maravillosa de Ray
junto a su gran equipo,
y Bob Bennett, el animador de efectos, hizo muchas de estas luciérnagas,
esta hilera de luciérnagas. Debían bailar,
así que Bob debió hacer que estas luciérnagas bailaran
con las dibujadas a mano.
Fue una hazaña animar estas partículas.
Ésta fue una de las últimas secuencias
terminadas en la película.
En un momento, nos cuestionamos si podíamos hacer
una séptima canción o no. Era...
Sí. Algunos decían:
"Es muy larga. Quitémoslo. "
Y John Lasseter decía: "¿Vas a quitar el número de zydeco?
"Es el sello de Nueva Orleáns. No se puede. "
Así que buscamos otras formas de acortarla.
Tenía toda la razón.
Vamos hacia el bayou
Es una secuencia divertida,
y es corta, pero tiene tanto contenido visual
e imágenes divertidas, y la música es tan pegadiza y alegre
que es una suerte que quedara en la película final.
Craig Elliott hizo un gran trabajo,
y nos basamos en eso para hacer esta caminata de las luciérnagas.
Intentamos capturar parte de sus grandiosas pinturas.
Era claro que con nuestro villano,
debía tener un poder superior...
Esto surgió al evolucionar la historia,
y hubo muchos cambios.
Esta secuencia cambió mucho.
Bruce Morris hizo los gráficos,
siempre se veía bien, pero estaba el tema del trasfondo.
¿De dónde obtuvo su poder Facilier?
¿Debía responderle a alguien más?
¿Qué estaba en juego si perdía?
Y se nos ocurrió la idea de que debía apostarlo todo
y pasar a este estado superior...
Era una analogía de la mafia, debía pedir más dinero
y hacer una promesa, como voy a hacer algo por ti,
tú haz algo por mí,
y sale todo mal. Había una amenaza implícita aquí.
Intentábamos anticipar
la ruina total de Facilier con esto.
Y desde el principio, tuvimos la idea
de que Facilier tuviera esta especie de pelotón de sombras
que acataran sus órdenes, aunque durante mucho tiempo,
las sombras fueron copias de su propia sombra.
Todas se veían como su silueta con un sombrero.
Alex Kupershmidt es el animador
que diseñó y animó todas estas sombras.
Ésta era su parte de la película,
y él ideó sus movimientos y diseños,
y fue una manera genial de hacer que funcionaran.
Técnicamente, no pasaron por el proceso de limpieza.
Se ajustaron sus bosquejos y se crearon los cuadros intermedios,
porque no tienen líneas alrededor,
no importaba la calidad de la línea, sino de la forma.
Pero Alex los hizo macabros.
Y la idea de estas sombras...
Bruce Morris diseñó
esta salida dramática de las sombras,
esta secuencia de persecución y la relación
entre Facilier y las sombras. Bruce creó las reglas
que usamos, en las que una sombra debe interactuar con otra.
Hay muchas reglas para estas sombras que creó Bruce.
- ¿Ella es tu novia? -No, no.
¿Mi novia? Mi novia es Evangeline.
¿Evangeline?
La novia de Ray, Evangeline.
El nombre surgió del poema de Longfellow.
Hay un mito acadiano sobre Evangeline, quien...
Es lo opuesto a nuestra película,
ya que pasó su vida buscando un amor perdido.
Era un tipo el que se perdió.
Y ella era una figura trágica que deambulaba y nunca...
Era un cuento sobre el amor no correspondido,
y cuando leí este poema de Longfellow,
sentí que sería un gran nombre para la Estrella Vespertina.
Se adaptaba a la época,
y era un homenaje a Longfellow
y a esta especie de mito acadiano.
Evangeline se convirtió en el nombre del amor perdido de Ray.
¡Todo se está poniendo obscuro! ¡Tengo frío!
Y ahora presentamos nuestra versión de Los Tres Chiflados.
Los cazadores de ranas.
El guión gráfico y el diseño inicial de los personajes
fueron obra de Tom Ellery, un diseñador muy gracioso.
Y cobraron vida gracias a Dale Baer, un verdadero veterano.
Él estuvo en el primer entrenamiento de Disney, en Chouinard,
el viejo instituto de arte que se convirtió en CalArts,
y aquí hizo un gran trabajo.
Podríamos mencionar las voces de estos tipos.
Dos de ellos trabajan aquí.
Darnell, el del medio, es Don Hall,
y creo que está imitando a Stan Freberg aquí.
Y a la derecha, Dos Dedos...
Don Hall, el jefe de la historia.
Y no tiene ese aspecto en absoluto.
¿Sabes una cosa?
Paul Briggs, el diseñador, que es originariamente de Texas,
hizo a Dos Dedos, el de la derecha.
Y la voz de Reggie fue interpretada por Ritchie Montgomery,
a quien hallamos en Nueva Orleáns, y creo que es de Mississippi,
pero lo trajimos aquí y lo grabamos allí también,
y le aportó autenticidad local al papel de Reggie.
La mayoría de los diseños de los personajes
surgió de dibujos que hicieron los supervisores.
Hicimos un retiro en Ojai para diseñar los personajes.
Llevamos a todos los diseñadores a Ojai y...
Y a los animadores supervisores.
Los animadores supervisores
pudieron trabajar en los personajes de todos.
Colgamos los guiones gráficos,
la gente dibujaba sobre ellos,
teníamos los dibujos de los diseñadores.
-Es decir... -Muy colaboradores.
John Lasseter quería...
En películas anteriores de Disney,
ciertos diseños no coordinaban con otros,
así que un objetivo de este retiro era unificarlos
para que no fueran tan distintos y tuvieran un diseño similar.
Por eso teníamos esta especie de polinización cruzada.
Tom Ellery dibujó a los cazadores de ranas,
hizo algunos de los guiones gráficos más graciosos que he visto.
Yo lloré de la risa al verlos.
Y de nuevo, soy poco culto, ¿qué puedo decir?
Pero literalmente, lloraba y reía, y es el humor que me gusta.
Crecí mirando Los tres chiflados. Mamá me decía: "Apaga el televisor. "
Yo me rehusaba. Y sucedió esto.
Podía suceder esto, y finalmente sucedió.
Cuando Tom Ellery lo dibujó,
era 20 minutos más largo
que la secuencia final.
-Era Cazadores de ranas. -Muchas ideas.
Sí, Tom no es bueno editando, pero tiene grandes ideas.
Además de ser una buena pieza cómica,
ayuda a establecer a Naveen y a Tiana trabajando juntos
para superar el obstáculo.
Cuando hicimos esta película,
Disney había abandonado la animación a mano,
y debimos reestablecer lo que llamamos canalización,
que es un proceso de producción para hacer la película. Es más,
no sabíamos que teníamos suficientes escritorios,
esos viejos escritorios de madera
con paneles de iluminación, para que utilizara el equipo, y...
Les habían dicho que los vendieran.
"Vendan esos escritorios. "
Que se deshicieran de los escritorios, el papel y los lápices.
Y luego Chris Hibler, el jefe de operaciones
y el nieto de Winston Hibler,
cuyo nombre verán en muchas películas
y trabajó en Walt Disney, dijo:
"Escondí algunos escritorios en secreto. "
Tenía suficientes escritorios para hacer una de estas películas.
-Fue como abrir... -No le contó a nadie.
Sabía que, en algún momento, se arrepentirían de esa decisión,
-y los puso en un depósito. -Sí.
Lo previó e hizo esto.
Así que fue como un milagro.
Se abrieron las puertas y salió el polvo, las polillas,
había una luz celestial, y allí estaban estos escritorios.
Ed Catmull y John Lasseter vinieron a Disney,
y dijeron: "¿Qué vamos a hacer?
"No tenemos escritorios de animación. "
Y Chris Hibler dijo: "Miren esto. "
Randy Cartwright hizo esta escena de Tiana,
que estaba muy bien animada.
Y también hablamos.
Y éste es nuestro tributo u homenaje a Miyazaki.
El agua debía verse como en las películas de Miyazaki,
el gran director japonés, así que ése es nuestro homenaje a él.
¿Estás bien, bichito?
Ésta fue la improvisación de Jim:
"Tu aliento casi me mata. "
Fue idea de Jim.
Creo que Don Hall propuso la idea de las espinas.
Necesitábamos algo que los hiciera demorar,
así que usamos estas espinas para que se detuvieran,
pero no por mucho tiempo.
Es complicado, porque no queríamos detener
la historia.
Era un desafío mantener el flujo de la historia.
Las sombras intercaladas se hicieron para crear tensión
y que no se volviera muy estático.
Josie Trinidad graficó la parte que viene ahora,
la secuencia de la fogata
donde los personajes empiezan a simpatizar entre sí.
Hizo un gran trabajo al crear momentos divertidos.
Esta idea de que picar los hongos fuera un esfuerzo tan grande
que terminara transpirando
y considerándolo una odisea,
eso surgió de los gráficos de Josie.
Ella hizo que el romance empezara a funcionar.
Nos costó hacer que el romance funcionara,
y ella resolvió algunas cosas en sus guiones gráficos.
Los animadores usaron sus gráficos como referencia,
porque la animación es hermosa,
particularmente la de Mark Henn y Randy Haycock,
que hicieron a Tiana y Naveen,
y se inspiraron mucho en los guiones gráficos de Josie,
que transmitían gran parte de la calidez y el entretenimiento.
Algo esencial que
nos enseñaron los Nine Old Men, los animadores veteranos,
fue a hacer personajes...
Hay que ver sus procesos mentales.
Y tanto Mark como Randy eran expertos
en lograr actuaciones sutiles.
Éstas son ranas, se ven caricaturescas,
pero notarán sus expresiones en esta escena y en otras,
y entenderán lo que piensan en todo momento,
y eso no es fácil de lograr.
Y Mark y Randy son expertos en esto.
Esto es una gran actuación animada.
Y los efectos también.
Joey Mildenberger hizo esto de picar los hongos.
Aunque me preocupa
que parece que fuera a cortarse un dedo.
Si pudiéramos rehacerla,
-movería el dedo hacia atrás. -No hay mango.
Lo sé. Cuando baja el cuchillo la segunda vez,
aquí: "¡No, no te cortes el dedo!"
Ojalá hubiéramos movido el dedo índice hacia atrás.
No corrió sangre ahí, pero pudo haberla.
- Terminamos, ya está. -Sí.
Adoro lo que hizo Randy aquí.
Es una de sus mejores escenas.
La actuación de Bruno es genial,
y el guión de Rob, todas esas cosas combinadas,
los gráficos de Josie, tratamos de lograr un lado vulnerable.
El príncipe ha estado tan despreocupado hasta ahora,
y aquí debíamos mostrar
que a pesar de su naturaleza divertida, tiene carencias en su vida.
Carece de un propósito
y desearía tener más pasión para comprometerse con algo
y no ser tan frívolo.
Y Alex Kupershmidt,
pasamos a las sombras de Alex en la cacería.
Fue genial la forma en que pudo poner esas sombras
contra los árboles al fondo.
Ésta es la secuencia más corta de la película. Dos tomas.
Eso nos hizo adelantarnos una semana en la programación.
Al desarrollar la historia de amor, hay detalles claves
que vemos aquí y que nos costó hacer.
Y terminó siendo una idea muy simple,
la idea de que ella le enseña a cocinar
y, como veremos aquí, él le enseña a bailar,
y esa idea simple simbolizó
la relación entre los dos
y cómo se complementan entre sí.
Al desarrollar esta película,
había material desarrollado en base a la idea
de una versión anterior de El príncipe sapo.
y en uno de los tratamientos escrito hace años
por dos grandes narradores, Chris Ure y Dean Wellins,
había una luciérnaga que se enamoraba
de la Estrella Vespertina.
No se desarrollaba en Nueva Orleáns. Era un cuento tradicional.
Pero al leer todo el material basado en esta idea
antes de involucrarnos en esto, tanto aquí como en Pixar,
esa idea nos llamó la atención y nos pareció genial.
Así que al escribir el guión,
incluimos una luciérnaga que se enamoraba de una estrella.
Es romántico, es parte de la época
y pasó a ser una gran idea temática durante la película.
Empezó como una idea pequeña,
pero pasó a ser algo central, las posibilidades del romance
y el amor que supera todo obstáculo.
Y la canción de Randy, queríamos que compusiera una balada cajún
durante la cual se enamoraran.
Es una convención de la comedia musical.
Lo ves en las películas de Gene Kelly y Fred Astaire.
Es un baile y una canción
que simplifica toda la relación en una secuencia musical,
y ésta era la nuestra. Miramos...
Vimos a Esther Williams nadando bajo el agua.
Miramos Fantasía. Esta toma tuvo influencia de eso,
y Dan Lund hizo un gran trabajo con la animación
de todas estas ondas y el polen y demás cosas.
Min-Kyu Lee otra vez, un joven animador de CalArts,
hizo esta danza clásica bajo el agua.
Una gran animación.
Contamos con una gran animación de animadores nuevos
que se iniciaron en esta película.
Iba a mencionar que, por un tiempo,
fue difícil determinar cuál es el momento exacto
en que cada uno se enamora del otro.
Pero ése es el momento exacto en que Naveen se enamora de Tiana
y se da cuenta de que ella es la mujer para él.
Ella todavía no se da cuenta,
así que él está un poco adelantado en cuanto a la relación,
y va a pasar un tiempo
hasta que ella se dé cuenta de que él es el amor de su vida.
Mark Henn se lució con esa escena en que ella lo rechaza,
y, en general, no grabábamos referencia en vivo
cuando había ranas,
pero filmamos eso porque era parte del baile,
y Danielle Truitt hizo cosas geniales en su actuación en vivo,
que Mark usó como referencia,
pero él hizo milagros con esa escena.
No teníamos esta secuencia en la película,
pero queríamos al menos un fogonazo de acción.
Así que creamos este momento
para lograr contraste con las escenas alrededor
y generar una tensión más dramática.
Y esta presentación fue una lucha.
Replanteamos la presentación de Mamá Odie varias veces,
siempre quisimos despistarlos
y mostrarla grande e imponente.
Era como el corto What's Opera, Doc?
La sombra grande y resulta ser Elmer Fudd.
Tratábamos de hacer algo como eso aquí.
¿Quién de ustedes, niños traviesos, se metió con El Tenebroso?
Ésta es la voz de la fantástica Jenifer Lewis,
que hizo la voz de Mamá Odie.
Mamá Odie tiene 200 años.
Jenifer Lewis es mucho más joven que eso,
pero estaba creando una voz, creo.
Estaba imitando a Moms Mabley,
la gran cómica afroamericana,
de hecho, cuando pensamos en el papel,
dijimos que ella era una combinación de Moms Mabley y Yoda,
una anciana afroamericana sabia y que no se calla,
pero algo estrafalaria y graciosa. Y Andreas Deja, el gran animador,
hizo a Juju, la serpiente, y a Mamá Odie.
Hizo el diseño y la animación de ambos.
Andreas es conocido por sus villanos.
Hizo a Scar en El rey león, a Jafar en Aladdin
y a Gastón en La bella y la bestia.
Fue divertido para él hacer la otra parte con Mamá Odie.
Sue Nichols, quien hizo el primer desarrollo visual de Mamá,
hizo dibujos geniales de ella,
y tratamos de mantener eso en el transcurso de la película.
Daniel Chung, un artista de desarrollo visual,
propuso hacerla ciega.
La dibujó con anteojos. Nos gustó
y le pedimos a Sue que hiciera dibujos nuevos de ella con anteojos,
y Sue también hizo dibujos graciosos.
Su esposo trabaja en atención médica domiciliaria
o algo así como vida asistida para mayores,
y dibujó a Mamá Odie con estos dulces alrededor,
dijo : "A la gente mayor le gustan los dulces. "
Así que incluimos dulces.
Y de ahí la frase: "¿Quieren dulces?"
Eso surgió de Sue y su esposo
y las personas mayores de Northampton, Massachusetts.
Mamá Odie tiene muchas influencias de Nueva Orleáns,
incluyendo dos mujeres, creo.
Coleen Salley, narradora de cuentos, que conocimos en Jazz Fest
y nos llevó por Nueva Orleáns, falleció hace poco,
pero era un gran personaje de Nueva Orleáns.
Es de Baton Rouge,
pero enseñó en Nueva Orleáns
y dio conferencias sobre la narración hace años.
Tom Schumacher, que es un ejecutivo aquí,
se sentó junto a ella en un avión y la descubrió.
Era muy provocativa y un personaje grandioso.
Él se la presentó a John Lasseter, y John, a nosotros.
Se convirtió en nuestra embajadora.
Nos llevó por el Barrio Francés y nos contó historias
sobre los restaurantes,
y es blanca, no es afroamericana,
pero esto de "Son más tontos que cuando nacieron"
surgió de Coleen Salley, una gran mujer.
Y pasamos un día con una sacerdotisa vudú
cuando estuvimos en Nueva Orleáns, Ava Kay Jones.
Cuando Pixar estaba analizando hacer esta película,
fueron unos años antes que nosotros.
Y Ava Kay los llevó
por los cementerios y los emporios vudúes,
y ella hizo lo mismo con nosotros cuando fuimos.
Hablamos del funcionamiento del vudú y de sus aspectos espirituales
y turísticos y sus diferencias,
y de cuáles eran sus fundamentos.
Queríamos tener nuestra versión de hada madrina
adaptada al ambiente de Luisiana,
así que nos gustaba esta mujer sabia del pantano.
Todas estas cucharetas, el coro de cucharetas,
fueron animadas por Adam Dykstra.
En general, a los fines de simplificar la película,
era un caso en que las cosas se veían mucho más elaboradas de lo que son.
En la mayoría de estas escenas,
Adam debió hacer una o dos cucharetas, como mucho,
y las multiplicamos para crear este gran coro.
Y el movimiento de las cucharetas siguió una referencia coreográfica
que creó Betsy Baytos con...
Jermaine Johnson y Josette Wiggan bailaron,
y fueron los que interpretaron estas cucharetas
con gorras de béisbol.
Si miran la referencia coreográfica y la acción en vivo,
lo verán también.
Jenifer Lewis es una gran actriz y una gran cantante.
En un momento, hasta intentamos que cantara con su propia voz.
Con su propia voz. Es buena cantante,
pero parecía haber una desconexión
cuando la oías hablar y luego cantar
como la verdadera Jenifer Lewis,
así que debió usar su voz de habla,
que no es fácil para cantar, pero ella lo logró.
Fue un gran desafío para ella.
Armand Baltazar, que fue uno de los primeros artistas visuales,
y cuyo trabajo tuvo una gran influencia,
propuso que Mamá Odie tuviera una bañera donde preparaba la sopa.
Y él hizo ese dibujo
que fue la base para el barco atascado en ese gran ciprés.
Ése fue el dibujo de Dobie,
y durante la producción, nos persiguió un poco.
Debíamos incluirlo en la película.
Nos llevó un tiempo, pero intentamos capturar la idea
que tuvo Dobie en su imagen original.
Y esos cantantes de fondo...
Fuimos a Nueva Orleáns
y grabamos con un coro de gospel
para captar ese sentimiento.
Queríamos un clímax colorido con esta canción.
Ian Gooding dijo:
"Colguemos botellas en los árboles, así tenemos prismas de luz
"atravesando las botellas para hacer algo radiante. "
Y diseñó esto para que se viera como un vitral.
El tríptico que vemos ahí surgió del diseño de Ian
y de su forma de todo el clímax.
Paul Felix, que es el director artístico de Bolt,
ayudó a Ian e hizo claves de colores increíbles en esa secuencia.
Debo mencionar a Mike Gabriel, que ayudó a Ian Gooding
en el departamento de color,
a elegir colores para los personajes
e integrar personajes y fondos.
Mike Gabriel, quien dirigió Pocahontas y es un excelente artista,
contribuyó mucho a definir los colores.
Y ésta es una gran canción de Randy Newman.
Desde el principio, queríamos una canción de gospel,
porque parecía...
Cuando fuimos al Jazz Fest incluso antes de empezar la película,
oímos muchos estilos de música,
desde zydeco y gospel hasta Dixieland y jazz,
y queríamos que todas las canciones tuvieran un estilo diferente
para reflejar la variedad musical que se escucha en la ciudad.
El personaje Papi fue animado
por Duncan Marjoribanks, que debe medir 1, 95.
Es mucho más delgado que Papi, pero le aportó mucha seriedad,
peso, contenido y escala a esta especie de personaje patriarcal.
Sólo tienes hasta entonces para hacer que la princesa te bese.
Queríamos comunicar visualmente qué estaba en juego.
Esto establece la cuenta regresiva para el tercer acto.
Queríamos tener un punto de referencia, un límite,
así aumentaba la preocupación de si llegarían a tiempo
y si podrían rectificar lo malo.
Y si no lo lograban, habría consecuencias fatales.
Esto establecía la cuenta regresiva para el resto de la película.
A medianoche termina el Mardi Gras.
Es una suerte que tuviéramos la idea
de que todos los personajes tomaran un barco
para ir al Mardi Gras en Nueva Orleáns,
porque ya empezó la cuenta regresiva.
Se acaba el tiempo.
Ron Clements, el maestro de la luz:
"No queremos mucha luz de noche. Sí de día. "
Nos volvió locos con esto. ¿No?
Algo así. Pero lo que iba a decir
es que tenemos escenas de relaciones muy delicadas
aquí en el barco,
y la pregunta obligada: ¿Cómo puede haber escenas
en las que se detienen para conocerse
cuando se acaba el tiempo?
Pero como van en un barco
y no pueden hacer mucho hasta que lleguen a Nueva Orleáns,
nos permitimos hacer eso.
Teníamos una escena de una pareja
a bordo del barco, ambos vestidos de pollos,
y conocían a Louis, y a la mujer le gustaba él
y trataba de quitarle el disfraz, buscaba el cierre
y era gracioso, pero la película quedaba muy larga,
y finalmente no lo incluimos, pero era genial.
Hasta vimos a Louis en el escenario en un momento.
Esto pasó por muchas revisiones.
Louis tocaba, Ray estaba atrapado en una botella de champaña.
Y deberíamos mencionar quién hace la trompeta de Louis en la película,
cuando Louis toca la trompeta,
es el gran Terence Blanchard, un gran trompetista de jazz
que armó el coro de gospel en la canción de Mamá Odie,
y también fue la voz de uno de los miembros de la banda
que ve a Louis y cree que es un disfraz de caimán.
El gran músico cajún, Terrance Simien, tocó el acordeón,
el acordeón de Button Box para Ray en Gonna Take You There...
De hecho, lo vimos actuar en Nueva Orleáns,
en el Museo de Arte.
Es un músico grandioso y un gran embajador del zydeco,
y es una música que te anima a bailar. Es genial.
James Finch hizo el dibujo original
que dio origen a esa escena del barco con la luna.
Hizo esta toma de situación.
James Finch diseñó varios fondos y la casa de Papi.
Hizo dibujos originales, que luego Ian retomó.
Fue al pantano con Rasoul Azadani.
Tomaron 5. 000 fotos y captaron todos los cipreses que se imaginen.
Y gran parte de lo que hizo James estableció el ritmo
para la imagen del pantano
y la forma en que funcionaría el barco.
Ésta era una escena hermosa.
El animador Russ Edmonds dibujó a Naveen en esta escena.
Mark Henn dibujó a Tiana. Es una gran escena.
Es una de las mejores escenas juntos
en las que realmente se siente que interactúan entre sí.
Muchas escenas de los actores,
por la naturaleza del trabajo, se graban individualmente.
Están en una cabina,
y una persona lee el diálogo, pero trabajan solos.
Es un desafío para muchos ellos,
porque están acostumbrados a interactuar.
Pero en algunas escenas,
queríamos la interacción de los personajes,
los aspectos cómico románticos entre Tiana y Naveen.
Así que Anika y Bruno grabaron varias escenas claves juntos,
incluyendo esta escena del barco,
donde están en esta cena romántica a la luz de las velas,
y pudieron improvisar y aportar frases propias,
Bruno dijo: "¡Te hablé muy fuerte!"
La risita dulce de él
y la interacción entre ellos. "Pero informal. "
Todo eso surgió al poder interactuar entre ellos
como lo harían en el escenario.
Interactuaron muy bien.
Y nadie lo diría, pero fue una pesadilla
por estos fondos movibles.
Queríamos que pareciera que el bote se movía,
así que debíamos hacer mover estas nubes y estrellas
a la velocidad correcta, y en el mundo real,
si están tan lejos, se moverían más lento,
pero entonces no se lograba el efecto,
así que probamos de todo para dar con la velocidad justa de las estrellas.
Espero que les guste. Fue una odisea.
Una de las mejores actuaciones de la película.
Hay cosas cruciales, especialmente de Naveen.
De los dos, pero especialmente de él,
que aparece en escena muy ansioso
por confesar, proponerle matrimonio,
y luego debe cambiar de idea.
Debemos entender qué le pasa en la cabeza.
A ambos personajes.
John Lasseter nos molestaba con esto, particularmente con Tiana.
¿Qué piensa? ¿Cuál es su actitud ante esto?
Debe quedar claro.
Había mucho de la historia, incluyendo esa escena inicial
donde la idea de que él le propusiera matrimonio no estaba originariamente.
Todo esto se hizo
para agudizar lo que piensa cada uno.
Hicimos que él se enamorara antes que ella.
Sí. Y la imagen del anillo
nos ayudó a comunicar lo que sucede aquí.
Sí, no teníamos eso.
Al incluir eso en la escena,
creó una forma visual de comunicar la historia.
En cuanto al momento en que ella se da cuenta de lo que siente por él,
Ilega el momento
en que ella ha querido ese restaurante toda su vida,
ha trabajado duro para conseguirlo y, por primera vez,
piensa: "¿Es posible que haya algo
"que es aún más importante que el restaurante?"
¿Qué hago?
Por favor, dime.
Esta escena con Charlotte afuera de este edificio,
este pequeño edificio anexo se llama residencia para solteros.
Algunas casonas tenían edificios separados
para los solteros,
así no estaban en la misma casa con las mujeres jóvenes.
Copiamos eso de algunos lugares que vimos en Luisiana.
Tony DeRosa hizo esta gran escena de Lawrence.
Estas escenas de él en la puerta son muy graciosas.
Bruce Smith dibujó la sombra
y a Facilier aquí, junto con Frans Vischer.
Frans Vischer también estaba en el equipo.
¡Quítame las manos de encima! ¡Lawrence!
No se mueva, Su Eminencia.
¡Mardi Gras! ¡Mardi Gras!
Odin Benitez, el diseñador de sonido, hizo un gran trabajo
al captar todos estos sonidos de revoloteo
y la atmósfera del pantano,
-creó todo tipo de cosas. -Sí.
Fue a Nueva Orleáns y grabó muchos sonidos,
los sonidos auténticos de allí.
-Grabó los tranvías. -Grabó los tranvías.
Uno diría: "¿Cómo alguien se puede llamar Odin Benitez?"
Así es. Es hispano, pero su padre adoraba la mitología nórdica.
Así que créase o no, el diseñador de sonido, Odin Benitez,
tiene un hermano llamado Thor. No es broma.
Hicimos apariciones en las películas.
Somos estos dos tipos en la carroza tirando cuentas.
Para los más astutos, y sólo por diversión,
basamos estas carrozas en películas que dirigimos.
Hay una carroza de una sirena, una de Las mil y una noches,
una carroza de mitología griega
y hasta una de piratas.
En cuanto a la pintura de fondo, era un ambiente muy rico
Ileno de distintas texturas. Pueden ver la especie de...
Ian quería capturar cómo en el Barrio Francés se ve
la pintura desmoronándose sobre algunas cosas
o los ladrillos debajo del yeso
y el cambio de texturas y superficies,
-y el color... -Usó
los colores del Mardi Gras como base
para la organización de la película.
Los rojos para los personajes malvados como Facilier.
El verde para representar un nivel intermedio y las ranas,
y luego el dorado para representar la bondad, a Mamá Odie,
la boda y...
Los lavandas y púrpuras surgieron del Mardi Gras,
que funcionaban bien para Facilier, su guarida, y para el clímax,
los colores del Mardi Gras, el púrpura, verde y dorado.
Éste es el gesto que mencioné antes,
donde Tiana se consuela y se frota los brazos.
Mark animó esas dos escenas,
y me pareció genial que usara un gesto
de humana con la rana.
Es subliminal, pero conecta a los personajes.
Esta idea de que Tiana le diga a Ray
que Evangeline sólo es una estrella
fue un momento crucial de la historia.
No estuvo planteado de entrada, y fue un gran
punto de trama que ella estuviera tan angustiada
y ver a Ray con ojos llorosos. Todo el público dijo : "Pobre Ray",
y aunque sientes que está loco, te da pena.
A esta altura, todos piensan que está un poco loco,
pero eso los alejó de una manera
que los atrapó en la historia.
-Hizo que ella quedara mal. -Le dio forma al tercer acto.
En un momento tuvimos una plaga de ranas,
y creo que estamos felices de no haberlo hecho.
Sí, teníamos una secuencia en la que Tiana...
La idea era que Facilier juntaba a las ranas
al crear una cacería falsa,
reunían a todas las ranas en el pantano
y finalmente, Tiana, que termina con ellas,
las liberaba, y se escapaban en una carroza,
ella y 100. 000 ranas.
Peter siente mucho que no...
Sí. Tantas ranas desquiciaron a Peter.
Las miles de ranas desaparecieron, y creo que es mejor.
Ron lo mantuvo lo más que pudo, pero al final se dio por vencido.
Se convirtió en algo muy emotivo.
-Ésa fue la compensación. -Funciona mejor.
Mucho mejor. Sí.
Por el poder que me otorga el estado de Luisiana...
El reverendo que lee los votos matrimoniales,
es Joe Whyte, un modelador en el mundo computarizado,
pero es un gran actor. Hace mucho trabajo de voz.
Utilizamos una técnica de filmación llamada edición mecánica,
-donde cada toma... -Matemática.
Edición matemática, donde cada toma
se acorta unos cuadros progresivamente.
Es una forma de crear tensión en una escena,
cada corte se acorta un poco progresivamente
hasta llegar al gran clímax cuando la rana salta de la caja.
Tony DeRosa hizo una animación divertida de Lawrence
cuando se transforma y luego sale corriendo.
¡Y me agarró!
¡Suelta eso!
Fue divertido tener el Mardi Gras de fondo.
Pudimos andar en carroza en Mardi Gras
cuando fuimos a Nueva Orleáns.
Experimentamos el Mardi Gras desde ambos lados.
Desde el lugar del público,
y también desde la carroza de Baco.
Esto es casi al estilo de Hitchcock,
tener un gran evento como éste
y, por otro lado, una historia de acción y aventura
contrapuesta a este gran telón visual,
y fue divertido hacer algo así.
Lo genial del cementerio es...
Queríamos incluir los cementerios a nivel de Nueva Orleáns,
y tenemos una pieza que va dentro de ellos,
y tomamos muchas fotos e investigamos,
St. Louis Número 1 y el cementerio Metairie,
donde enterraron a varios notables en Nueva Orleáns.
Es algo característico de la ciudad. Y es como una ciudad de muertos,
como lo llaman algunos libros.
Parecen rascacielos, pero son todas criptas,
y es un paisaje dramático.
Si vas a Nueva Orleáns, debes ir a verlos.
Una forma de hacer que el villano sea detestable
es hacer que le haga algo malo al héroe,
y éste es nuestro personaje más simpático,
y fue una forma de hacer que Facilier pareciera más cruel
y de subir las apuestas en un nivel emocional.
¿Ray?
Aquí tenemos un momento de susto.
Es lindo tener estos momentos, y aquí funciona muy bien.
Fue una gran animación de, creo que lo hizo Frans Vischer.
El final de esta película tuvo muchas versiones,
-esta parte. -Sí.
Don Hall, a cargo de la historia,
quería mantener algo vivo del plan de Facilier en el tercer acto,
que aunque su plan en la carroza hubiera fracasado,
quedara una posibilidad de llevarlo a cabo.
Insistió en que eso era importante, seguir adelante.
Así que reescribimos la historia para que este talismán
fuera un elemento de suspenso y fuera clave para que él
concretara su plan, de modo que no estaría terminado
hasta que lo destruyera o lo recuperara.
También teníamos una escena climática
entre Facilier y Tiana en el cementerio,
pero no estaba esta fantasía en la que recreaba su restaurante
y volvía a ser humana.
Sí, sólo era una rana,
y creo que esto aumentó lo que estaba en juego y lo hizo...
Ella renunciaba a algo,
además de verla como humana
más tiempo, la vemos con este gran vestido.
Y vemos cómo su fantasía cobra vida,
lo que vimos antes tan estilizado
ahora toma una forma real, exuberante y vívida,
y ella se ve hermosa, y el futuro parece más tentador.
¿Es posible que ella quiera aceptar este trato,
conseguir lo que a su padre le había faltado tantos años?
Es la oportunidad de su vida.
Queríamos hacer que la elección fuera lo más difícil posible para ella.
Desde un principio, quisimos que Facilier
tuviera un argumento muy fuerte aquí,
que fuera importante que aunque sea por un segundo, uno pensara:
"Tiene algo de razón. Quizá esté en lo cierto. "
El nombre Dr. Facilier proviene de una palabra francesa,
es una palabra que inventamos, pero facile significa fácil,
y pensamos en él como el que te dice
que todo va a ser fácil,
por eso lo llamamos Dr. Facilier.
Es el que hace que todo se vea fácil.
Evoca la imagen del padre creyendo que al recordarle
que su sueño nunca se hizo realidad, la va a seducir.
-Pero sucede lo contrario. -Es su perdición.
Pero fracasa en parte por cosas que le dijo su padre,
su madre, Mamá Odie,
y por su experiencia con Naveen y la forma en que él la cambió.
El clímax de la película se reduce a una elección
que ella debe hacer.
Y Randy usa temas musicales para clarificar su proceso mental,
así que empieza la fanfarria triunfante cuando se resiste aquí,
y ése es el tema de Tiana,
pero ahora Facilier gana ventaja,
va hacia la oscuridad, y finalmente,
oiremos una repetición de Friends on the Other Side
mientras Facilier fracasa en su intento y debe responderle a esos amigos.
Te tengo una noticia, Tenebroso. No son babas. ¡Es mucosidad!
"No son babas. Es mucosidad", tu frase, John.
Seguí insistiendo.
-Lo sé. Suena raro. -Había un tema,
-era controversial. - Todos la odiaban.
No, al final fue una buena idea.
Evoca su relación con Naveen.
Sí, por eso quería usarla.
Me pareció que era una forma de decir: "Naveen me cambió
"durante el transcurso de la película ", por eso quería usar esa frase.
...pequeño tropiezo en una operación mayor.
T. Dan Hofstedt animó estos vudúes.
Hizo un gran trabajo con ellos,
y las máscaras y los vudúes fueron obra de T. Dan.
Esto es del final de la película,
de las últimas escenas que terminamos al final.
Era una extravagancia del final.
Debíamos sincronizar estas máscaras, los tambores, el humo
y la iluminación, y hay muchas cosas allí.
Esto fue idea de Alex Kupershmidt,
poner su nombre en la lápida.
Inicialmente, caería a una tumba,
y creo que Alex sugirió que pusiéramos su nombre ahí.
Al final de la película, hubo un momento de pánico
cuando nos dimos cuenta de que el reloj de la plaza Jackson,
en vez de tener un cuatro numeral romano,
que era una I y una V,
era cuatro palitos.
Y dijimos: "Rápido, ¿qué hacemos?
"Debemos cambiar esto. " Luego nos dimos cuenta, al investigar,
de que así está en la plaza Jackson.
-Estaba bien. -Lo que dijiste estaba claro.
Quizá no estuvo claro, pero tenía sentido.
Dibujamos el reloj con cuatro palitos creyendo que estaba bien,
y alguien dijo: "No, el número romano es una I y una V. "
Y cuando fuimos a cambiarlo,
alguien investigó cómo era el reloj allí
y vio que tenía cuatro palitos.
Así que lo dejamos así, como se ve ahí.
Adoro estas escenas que animó Joe Oh.
Mira el reloj y vuelve a mirar.
Son muy simples, pero comunican mucho.
Y esto fue idea de Jared Stern.
-Fue idea de él. -El escritor, que propuso
que ella fuera su Evangeline,
que es una forma simple de decir:
"Estoy enamorado de ella. " Jared, quien escribió al principio,
también creó la frase: "Quingombó en la olla,
"necesitamos una princesa, ¿qué tienes?"
Jared tuvo ideas sobre los deseos y necesidades,
las ideas temáticas sobre las que trabajamos
que se trataron en un principio y permanecieron.
Ésta es una que permaneció.
Y atravesó muchos cambios.
Trato de encontrar exactamente lo que dijo ella.
No queríamos que dijera:
"Voy a dejar todo lo que siempre quise por ti",
sino: "Quiero incluirte en lo que era mi sueño. "
Mi sueño no estaría completo
sin ti.
Había un pequeño cambio en las palabras,
pero hacía una gran diferencia.
Y creo que John Lasseter lo propuso,
siempre nos gustó la idea
de que Charlotte cambiara de parecer aquí.
Había estado tan ensimismada, realmente quería hacerlo,
pero él agregó algo que lo hizo más explícito.
Que quería ayudar a su amiga,
y entre Charlotte y Tiana
hay una relación de amistad,
aunque Charlotte esté tan ensimismada,
y creo que éste es un gran momento.
Lo voy a besar. Por ti, corazón.
Por la amistad que las une, ella está dispuesta
a sacrificar lo que quería.
Se vuelve más dimensional aquí de lo que ha sido.
Crece un poco. No por completo.
Ése era un tema, ¿qué tanto debía crecer?
Esto es lo más irritante de la película para mí,
él tiene todo este lápiz labial,
y no incluimos lápiz labial en la escena.
Debimos hacer que se lo limpiara cuando lo dejaba ahí.
Pudimos hacerlo. Esto lo hizo Ron.
¿Por qué no hicimos que se lo limpiara?
-Debes olvidarlo. -El lápiz labial.
Creo que no lo notamos. Quizá tú sí.
- Yo no lo vi hasta después. -Fue en orden inverso.
Hicimos la segunda escena primero,
para cuando hicimos la otra, ya era muy tarde.
Hubo debates sobre esta escena con Ray.
Algunos creían que debíamos acortar esto,
y otros, que Ray no debía morir...
Y ésta fue una idea que tuvo Ron
desde un principio.
Antes Ray no moría. Queríamos hacer
un funeral en Nueva Orleáns, algo característico de allí,
y él vino y me dijo:
"¿Qué tal si Ray muere, y cuando subimos y miramos el cielo,
"hay dos estrellas en el cielo?"
Y dije: "Debemos hacerlo. "
El tema era si John Lasseter nos dejaría hacerlo.
-Sí. - Y por suerte accedió.
Armamos esta historia muchas veces antes de animarla...
Siempre hubo una reacción muy fuerte ante eso,
y hay algo que es espiritual
e intangible, pero que parece muy significativo...
Le da a nuestra película mucho más peso,
y habría sido mucho menos intensa sin esto,
así que me alegra que John aceptara la idea,
y que sea parte de esta historia. Es una parte esencial, casi temática,
sin la cual la historia no funciona tan bien.
Me alegra que lo hiciéramos.
Esta secuencia del funeral,
Wilbert Plijnaar, quien hizo esta introducción preliminar de Ray,
graficó eso, también graficó esto
e hizo un trabajo increíblemente sutil de la elocuencia de este bote de hoja.
Él diseñó la idea de este cortejo fúnebre
y de dejar sutilmente la hoja en el agua.
Jeff Draheim, nuestro editor, hizo un plan preliminar
con After Effects y creó ondas en el agua.
Mauro Maressa, un gran animador de efectos,
hizo estas ondas y luciérnagas y este momento elegíaco
que interpretó Terence Blanchard.
Terence Blanchard vino hasta aquí
el último día de grabación de la música,
porque queríamos que fuera consecuente y tocara
la trompeta para Louis, así que tocó ese fragmento.
Al graficar esto, había sido el funeral de Nueva Orleáns,
que involucraba una canción similar a una elegía
camino al cementerio.
Lo probamos en el rollo borrador, y parecía casi cómico,
aunque es así en Nueva Orleáns.
Cuando hicimos la música real, Randy lo probó con la entrada,
está en el CD, y es una entrada maravillosa,
pero quienes no conocen la tradición de Nueva Orleáns
no lo entendieron.
Así que recurrimos a una pieza fúnebre y triste
más tradicional para un funeral, y creo que funciona mejor
aunque no sea de Nueva Orleáns.
Había que acudir a la tristeza para tener ese sentimiento
-de ver las dos estrellas. Eufórico. -La revelación de las estrellas
no funcionaba con la otra pieza musical,
así que Randy hizo un ajuste de esto,
y luego pasamos a este final extático.
Ian Gooding creó esta paleta de colores
con una luz dorada maravillosa, donde todo se basa...
Es iluminación romántica con un foco suave.
Y el polen en el aire, todo contribuye para crear
este ambiente natural festivo en el pantano.
¡Felicidades!
Ésa es la voz de Peter Del Vecho, nuestro productor,
-que dijo: "Felicidades. " -Muy rápido. La mariposa.
Es acelerado, pero así es Peter.
Esta idea de que al besarse, se transforme...
Como Tiana se convierte en princesa cuando se casa,
cuando el príncipe la besa,
está besando a una princesa, así que vuelven a ser humanos.
Eso estaba en una versión preliminar
escrita por Greg Erb y Jason Oremland,
quienes trabajaron en esta película o en una versión de ella
cuando sucedía en el mundo mágico llamado The Frog Princess,
antes de involucrarnos en la película.
Y nos pareció una gran idea y una forma de sorprendernos.
Crees que seguirán siendo ranas, pero todo cambia alrededor.
Así que usamos la idea de Greg y Jason para eso.
Acabas de besar a una princesa.
Ésta es una gran animación de Mark y Randy cuando se besan.
Yoshi Tamura, quien también trabajó en ese giro,
hizo una gran animación de Tiana.
Secundaba a Mark en estas tomas de Tiana.
Hizo esta escena también, y esto.
A último momento, Ian Gooding dijo: "Quiero pájaros en esta toma.
"Debemos agregar pájaros para darle más valor de producción. "
-Aunque ése no es su acento. -No. Lo siento.
-Es jamaiquino, no alemán. - "¡Elefantes!"
Sí, es jamaiquino.
Pero debimos importar esos pájaros a último momento de El rey león.
Si miran El rey león, esos pájaros son de ahí, y...
Kyle Odermatt los encontró, los importó
y los hizo funcionar. Fue increíble.
Fuimos a Nueva Orleáns la semana pasada
y vimos los pájaros revoloteando.
Vimos pájaros de verdad. Fue como volver a la película.
Sí. La catedral es la St. Louis sobre la plaza Jackson.
Es un icono de Nueva Orleáns,
y nos encantó ir a misa allí.
Quería mencionar,
un tributo a los Firehouse Five,
el grupo de animadores de Disney que formó una banda de jazz.
Ward Kimball, Frank Thomas
y gente que trabajó aquí en los cincuenta y sesenta.
Queríamos homenajearlos, así que los Firefly Five Plus Lou
es devota de ellos,
y el que toca el piano a la derecha es una caricatura
de Frank Thomas, uno de los Nine Old Men,
y el mentor de Ron, quien le enseñó a hacer animación.
El final de esta película también sufrió muchos cambios,
y creo que John Lasseter...
No sabíamos qué canción repetir
ni quién la cantaría, y John insistió.
Dijo: "Debes repetir Down In New Orleans,
"y la debe cantar ella. "
Teníamos una canción temporaria que era muy rápida y sin canto,
una sustituta que había encontrado Jeff Draheim,
y le daba un empuje al final,
pero dijimos: "Quizá deberíamos repetir Evangeline
"o la canción de Louis. "
Y John dijo: "No, debe ser Down In New Orleans."
Y fue una gran idea.
Le dio el empuje que necesitaba al final.
Y cerró... Ron insistió
en que la última toma volviera a ser de las estrellas,
así la película terminaba como había empezado.
Es otra idea que surgió tarde.
Y la idea de Anika cantando al final de la película
-era importante... -Así era su película.
La quisimos poner en el centro del escenario al final.
Estábamos al final de la producción
tratando de vender la película, y vinieron dos personas,
Joe Pitt y Lorelay Bove,
y propusieron hacer los créditos finales.
A Ian le gustaba la idea,
pero trataba de que lo hiciera Lorelay, es una diseñadora genial,
y Joe Pitt dirigió esta última pieza de los títulos.
-Dos jóvenes. -Dos jóvenes.
Y la canción de Ne- Yo también surgió tarde.
Tom MacDougall y Chris Montan, los expertos en música.
Oímos a varios artistas que podían hacer una canción para los créditos
y eran contemporáneos, se oían en la radio y tenían éxito.
Nos encontramos con Ne- Yo. Parecía un gran tipo.
Le mostramos secuencias,
le explicamos la idea del romance,
y él propuso una canción y una letra
que capturaba en gran manera
la relación entre nuestro héroe y nuestra heroína.
Le hablamos sobre lo que queríamos y lo que necesitábamos,
y creo que esta canción es un gran enganche...
Pero nos encantó la estilización de las imágenes de Lorelay...
Es una gran diseñadora. Tiene buen gusto con los colores,
éstos son sus dibujos que cobraron vida.
Es como una película de CalArts,
Erik Fountain y Mario Furmanczyk, dos jóvenes animadores
recién graduados de CalArts,
animaron esta secuencia, y Joe la dirigió.
Íbamos a llamarla la escuela montonera de animación,
donde todo es miserable y sucio, y cada uno contribuye con algo,
e hicieron esto muy rápido.
Sí, fue lo último que se hizo de la película.
Es lo último de la película y lo último que animaron.
Hicieron un gran trabajo.
Tratábamos de capturar iconos de Nueva Orleáns
y de la película, así pueden revivir los momentos
y repasar la historia de la película de forma estilizada.
Esta película es una obra de amor no sólo para nosotros,
sino para cientos de artistas, fueron tres años y medio de trabajo,
y artistas de todo el mundo.
Fue un gran privilegio trabajar con todos ellos.
Es el equipo de artistas más dedicado
con el que hemos trabajado y, probablemente, el más talentoso.
Fue una experiencia maravillosa
trabajar con toda esta gente.
Notarán que los fuegos artificiales que explotan
son versiones apagadas de los colores del Mardi Gras,
del púrpura, dorado y verde.
Muy subestimados, pero son la transición
a nuestra larga lista de créditos, que incluye a muchas personas.
Quiero recordar a una pieza clave en esta película,
Jeff Draheim, nuestro editor.
Siempre tuvimos preguntas en esta película.
¿Iba a ser muy larga? ¿Era muy corta?
Y él se convirtió en un socio
al intentar contar la historia.
Se lució al establecer el ritmo de las secuencias,
buscar formas de intercalar ideas
y resolver problemas de la historia o incluso decir:
"Creo que la historia no funciona aquí ",
así que no se limitó a acortar o alargar escenas,
siempre buscó la mejor forma de contar la historia. Tuvimos suerte.
No habíamos trabajado con él,
pero es un gran editor y narrador.
Y es fácil trabajar con él en la sala de edición.
Sí. Y trabajó mucho, pero fue muy... Es de Nebraska.
La gente de ahí es muy discreta.
Mary Hogg hizo estos títulos finales y estuvo...
Ayudó a elegir el tipo de letra, el color, el ritmo y demás,
es una gran diseñadora
y es muy accesible y experimentada.
Ha hecho muchas películas,
y fue un placer trabajar con ella.
Hablamos sobre los efectos, los fondos
y la animación de la película. También quería decir
que Vera Pacheco y su equipo hicieron un trabajo maravilloso.
La ilustración hermosa de esta película...
Trabajamos con Vera, jefa de limpieza
de animación, y con otra gente
en otras películas.
Y su trabajo era mantener un estándar artístico
que pudiera compararse con las grandes películas de Disney,
y pusieron lo mejor de sí.
Y limpieza de animación es un arte que iba a desaparecer
porque ese trabajo no existe en el mundo computarizado.
Aún hay animación en ese mundo,
y hay que crear sets y definir la iluminación,
pero no existe el dibujo pulido del personaje,
no existe esa parte del proceso de producción,
así que muchos de ellos quedaron en el camino
cuando surgió la animación computarizada.
Y fue genial traer a muchos de ellos al estudio
y ver las habilidades increíbles
que habían desarrollado con los años
y cómo volvían a ponerlas en funcionamiento.
Te quedabas asombrado por las maravillas que lograban.
Ves muchas ilustraciones hermosas
que Vera y su equipo, Rachel Bibb,
Dan Tanaka, Juliet Stroud, Marianne Tucker, Kathy Bailey,
Tracy Lee, todos ellos hicieron un trabajo fenomenal.
Cuando dejó de usarse la animación a mano en Disney,
nadie esperaba que pudiera volver
alguna vez, creo,
y eso ocurrió gracias a John Lasseter, que al llegar a Disney,
se hizo cargo de la animación de Disney a principios de 2006.
Él adora la animación a mano,
aunque tuvo mucho éxito con las películas de Pixar,
e insistió en volver a implementarla
sin ningún temor,
y debemos agradecerle a él.
Nosotros adoramos la animación a mano,
como todos los artistas que trabajaron en esta película,
y le agradecemos a John por lo que hizo.
Alguien que tuvo un gran impacto en la película,
que no es artista, aunque es artista por derecho propio,
su nombre es Leah Chase, una restauradora de Nueva Orleáns,
y tiene un restaurante con su esposo, Dooky Chase,
llamado Dooky Chase, es un hito de Nueva Orleáns.
Está dirigido y operado por afroamericanos,
ofrece comida deliciosa y es una gran parte de la ciudad,
ella tuvo una historia similar a Tiana, y eso influyó en nuestro trabajo.
Ella empezó como camarera
y luego abrió este restaurante fabuloso.
Fuimos a verla,
y nos habló de su filosofía de cómo la comida une a la gente,
y eso es parte de lo que le dice James a Tiana.
Así que queríamos dedicarle esta película a ella
porque fue inspiradora para nosotros.
Para Leah Chase y Coleen Salley,
que es la elocuente narradora y contadora de historias,
además de ser una gran dama de Nueva Orleáns.
Hicimos una dedicación mutua para ellas dos
por la fuente de inspiración que fueron para esta película.
Queremos agradecerles
por ver esta película.
Espero que puedan verla otra vez.
Tratamos de que fuera tan rica que debiera verse varias veces,
así que vuelvan a verla.
De hecho, podríamos volver a verla ahora
y hacer un comentario totalmente nuevo
que sería diferente a éste que acabamos de terminar.
Gracias por acompañarnos, y adiós a todos.
Sí, gracias, y vayan a ver más animación.
Gracias a todos los que ayudaron a hacer esta película.
Subtítulos en Latín-Español: Arígoñ